Este soy yo

Nobody's Business

En un intento por hacer que su padre hable sobre la historia familiar frente a la cámara, Alan Berliner crea un complejo estudio sobre los inmigrantes en Estados Unidos, las diferencias generacionales, la familia y la relación entre padre e hijo. Lo que hace progresar a la película es una entrevista, o varias editadas para que parezca una sola, que mantiene Alan Berliner con su padre. Durante el transcurso de la entrevista vemos como Oscar Berliner, el padre de Alan, se niega rotundamente a cooperar, amenzando con dejar la entrevista en varios momentos. Tenemos por un lado, la necedad inamovible de Oscar Berliner y la voluntad imparable de Alan. Durante el transcurso de la película se enfrentan uno con el otro en una búsqueda del pasado y la historia familiar.

Lo más notable de como está hecha esta película es su extraordinaria edición. Es a partir del montaje que realmente se cuenta la historia y que Berliner convierte una entrevista en un producto cinematográfico. Alan viaja a Salt Lake City y a Polonia en busca de sus ancestros y regresa con material que enriquece su película, agregando imágenes que se acoplan perfectamente con lo que dice su padre. Otras imágenes que encontramos son más metafóricas, como la de los boxeadores, que entra cuando la entrevista se convierte en una pelea y da un tono humorístico al conflicto.

Alan hace dos cosas al mismo tiempo. Hace una película sobre su padre, sobre su pasado, su presente, como ha llegado a convertirse en un viejo solitario y su relación con el resto de la familia. Al mismo tiempo que hace esto, Alan está autorretratándose y creando una historia de la familia a su alrededor. Proabablemente lo primero es intencional, lo segundo es el resultado lógico de la búsqueda que hace. Al hablar de su padre, Alan no puede evitar hablar de el mismo. Otro punto importante es como la relación padre e hijo es lo que le va dando forma a la película y es de este estira y afloja que salen los mejores momentos del documental.

La página de internet de Alan Berliner es una muy buena fuente de información sobre sus otros trabajos. Ahi están todas sus películas con sinopsis, ensayos y otros textos interesantes. alanberliner.com

Aquí una entrevista con Alan Berliner.


Una página para buscar tu historia familiar Familysearch.org

Grey Gardens

Filmada en 1975 por los hermanos Maysles, esta película es un retrato de una madre y su hija del mismo nombre, Edith Beale. Las Beales ha vivido casi toda su vida en una enorme mansión llamada Grey Gardens, y a parte de la ocacional visita, conviven solamente una con la otra. Es un retrato de dos personajes más extraños que la ficción, que superan la imaginación que pudiera tener cualquier escritor y que solo pueden ser creibles en el contexto de un documental. Los Maysles nos muestran los efectos del tiempo sobre lo que alguna vez fueron dos hermosas mujeres y una hermosa casa.

La película está llena de buen humor y momentos extraños, inclusive llega a parecer que ambas Edith estuvieran tratando de lucirse frente a la cámara, como si se tratara de una última oportunidad para poder salir de Grey Gardens y vivir sus sueños. Da la impresión que están atoradas en un limbo, que la casa es un lugar apartado completamente del mundo y ha producido dos personajes tan excéntricos como una obra de Chéjov interpretada por un grupo de teatro del absurdo. Esto se presta para muchas situaciones cómicas, pero el tono general que envuelve a esta película es uno de una tristeza abrumadora. Ambas mujeres pudieron haber sido estrellas de Hollywood, Edith chica parece tener escondido en algún lugar de su corazón un poco de esperanza y luce sus vestidos y sus habilidades como bastonera frente a la cámara de Albert a la menor provocación.

La casa no es solo un personaje más en esta historia, sirve como un escenario que refleja la psicología de los personajes que en el actúan. La casa es la relación que tienen esta madre y su hija, es lo que alguna vez fue y lo que ahora es. Hay momentos muy interesantes donde se dejan ver algunos de los mayores conflictos detrás de estas mujeres. Se hechan la culpa la una a la otra de su situación actual, pero al mismo tiempo demuestran ser inseparables. Edith chica es como una adolescente y su madre la trata como tal. Edith grande ha disfrutado de una vida plena, o por lo menos de eso presume, y ahora se dedica a pasar los últimos años de su vida en esa mansión que se está derrumbando, igual que ella, física y psicológicamente.

Como suele suceder con los documentales, los Maysles llegaron a las Beales por accidente. Preparaban un documental sobre los Onassis, y parece que lo más interesante que encontraron, fue esta pareja de madre e hija. Es de esperarse, pues son unas personas sumamente excéntricas. Por ejemplo, la madre cocina en una estufa eléctrica sin pararse de su cama mientras que su hija tiene un cuarto dedicado al arte, con manualidades, poemas y una jaula para un pájaro vacía. Esto probablemente hizo ver a los Onassis como un tema aburrido y que no valía la pena filmar. No por nada, Grey Gardens tiene legiones de fans por todo el mundo.

Otro factor importante en Grey Gardens es el estilo de cinema directo que usan los Maysles para hacer su película. En esta ocación, aun dentro de las restricciones de la convención que usan para hacer cine, los hermanos logran ser personajes importantes, pues constantemente son invitados a participar en la película por las Beale. La cámara las deja hablar, contar su propia historia sobre Grey Gardens y sus particulares vidas. Es probabable, que los hermanos se hayan dado cuenta de que era inútil hacer pasar a la cámara como un objeto de pura observación y hayan decidido tomar una parte más activa e interactuar con las Beale. Aunque esto pudiera haber sido dejado fuera en edición, se aprovecho bastante bien la oportunidad, y cuando Albert o David intervienen logran un momento grato y divertido.

Este video esta muy bizarro, es como un trasvesti celebrando el cumpleaños noventa de Edith Beale.


Mas de ese señor, este está mejor todavia!


Hay un buen, les dejo este último sobre la economía.

Tarnation

Documental autobiográfico de Jonathan Caouette, hecho a partir de horas material filmado a lo largo de su vida. Gran parte del documental es la historia de Renee LeBlanc, madre de Jonathan. Este es otro documental hecho con material grabado a lo largo de la vida de una persona, en esta ocasión el mismo realizador. Caouette nos demuestra sus gran talento actoril con estas películas de su infancia donde personifica a diferentes mujeres en relaciones de abuso. Es curioso, pues esta película tiene su origen en una de esas cintas, que el director mandó a James Cameron Mitchell, para el casting de Shortbus. Mitchell quedó impresionado y se interesó en la historia de Caouette, alentándolo a hacer algo con todo el material que tenía, otro de los interesados fue Gus Van Sant, quien también participó como productor de la película. Eso me suena un poco extraño, pues poco hay que producir en una película hecha en iMovie, con un presupuesto de 218 dólares, probablemente gastados en tranfers de sus viejos superochos. Supongo que fue gracias a estas dos personalidades que Tarnation pudo darse a conocer y entrar en el mundo de los festivales donde tuvo un gran éxito.

Es bastante rescatable el uso de iMovie como una herramienta en si y no un sustituto de una plataforma de edición más poderosa. Tarnation le saca jugo a cada uno de lo efectitos usados por amateurs al rededor del mundo, dándoles una lección a muchos cineastas puristas de la forma y mostrando una posibilidad bastante interesante y no explorada de estos efectitos. El haber hecho su película en iMovie hace que la película se vuelva todavía más personal de lo que es. Esto no se si sea algo que pasa al saber que estamos viendo un producto profesional y de muchísimo alcance artístico hecho con una herramienta asociada con primeros intentos fallidos o realmente hay algo del lenguaje de iMovie en la imagen misma. Si, el uso de rayitos y efecto espejo para significar estrés emocional o esquizofrenia puede parecer bastante obvio, pero de alguna forma tiene cabida en Tarnation y el realizador los usa de forma coherente en su discurso.

La película es para el realizador un ejercicio de autoreconocimiento en el que trata de encontrar quien es realmente. En un par de ocaciones demuestra preocupación por terminar como su madre y parte de esta película es demostrarse a él y al espectador, que es una persona completamente distinta. El análisis es bastante serio y profundidad y llega a haber momentos en que Caouette demuestra gran inestabilidad y hasta locura. Es como si estuviera al mismo tiempo rindiendo homenaje a su madre y tratando de deshacer las partes nocivas del vínculo que tiene con ella. Nos está diciendo "miren, esta es mi madre, ha sufrido mucho, al igual que yo, pero no tengo porque terminar como ella". Sentimientos demasiado complejos y confusos emergen de este tipo de relaciones y muchas veces es imposible poner las cosas en perspectiva y pensar con claridad. Esta película también es un intento por parte de Caouette en organizar su vida de una forma coherente. A veces melodramática, a veces de terror, pero todas esas vivencias desordenadas, llenas de caos y violencia encuentran finalmente un orden en Tarnation.

Tarnation puede ser también puesta en el contexto del cine gay o queer cinema. Sus productores son Gus Van Sant y James Cameron Mitchell, ambos muy importantes directores de cine con temáticas gay. También hay infuencias de directores como Jack Smith, Derek Jarman y hasta un poco de John Waters, que marcaron puntos de referencia sobre el cine gay para futuros cineastas.

Un director del cual disfruto mucho sus películas, sobretodo las primeras, es Gregg Araki. Suele ser clasificado dentro del término "queer cinema", pero yo creo que como Caouette, hace mucho más. La primera vez que vi Tarnation inmediatamente me acordé de algunas películas de Araki como The Living End, Nowhere y Doom Generation.

El trailer de The Living End, de 1992.


The Doom Generation con la música del trailer de Kids. Creo que le va bastante bien.


Una escena de Nowhere con Ryan Phillipe y Heather Graham.


Y un par de películas muy influyentes en todo esto.

Flesh


y Trash.

Capturing the Friedmans

Esta película se centra en los eventos que llevaron a la encarcelación de Arnold y su hijo Jesse, acusados de abuso sexual de menores. Todo empieza cuando la policía sigue el rastro de una revista pornográfica y llega hasta la casa de los Friedman. Los policías buscan por toda la casa y encuentran una gran colección de pornografía infantil, propiedad de Arnold Friedman. Aquí es donde comienza a ponerse extraño todo este asunto, pues sin ninguna prueba física, la policía empieza a sospechar de que Arnold además de disfrutar de sus revistas, abusaba de sus estudiantes en las clases de computación que daba junto con su hijo Jesse en el sótano de la casa. ¿Cómo a partir de unas revistas, se salta a la conclusión de que Arnold abusó sexualmente de sus estudiantes? No vemos mucho de eso en esta película, lo que si vemos son las consecuencias que esta terrible situación tiene sobre la familia.

Uno de los puntos fuertes de este documental está en el material filmado por la misma familia, que parece tener una fijación con grabar todo. Este material se remonta hasta la infancia de Arnold Friedman, con unas imágenes fantasmágoricas de su hermana bailando. Está película de su hermana termina convirtiéndose en un elemento narrativo de enorme importancia, en esas imágenes está la raíz de todos los problemas de los Friedman, por lo menos eso insinúa Jarecki con sutileza.

Más que una posición sobre la verdad de los acontecimientos del tipo Errol Morris, Jarecki está jugando con la idea de una verdad perdida, de una incapacidad para conocer lo que en verdad sucedió, todo esto en el contexto del sistema legal estadounidense. Agregándole a esto, está la naturaleza terrible de los crímenes, probablemente lo peor de lo que puede ser acusado un hombre. En algún punto durante la investigación policiaca se pierde el hilo de la verdad y la histeria colectiva pasa a ser la fuerza motriz detrás de las acusaciones y las condenas.

Hay dos maneras en las que el director nos acerca a la historia de la familia Friedman. Con las entrevistas escuchamos las diferentes versiones de la historia, todas son diferentes, esto es algo así como un Rashomon de entrevistas. Tenemos la versión de los miembros de la familia, de las víctimas, del abogado, de la policía y de una psicóloga. Como en la película de Kurosawa, donde la verdad existe en un terreno ambiguo, Capturing the Friedmans nunca toma realmente un lado, nunca nos guía hace creer una versión de la historia. Tan válido es el testimonio de la policía como el de la mamá o el hermano. Visualmente si estamos con los Friedman, pues la otra forma en la que Jarecki nos acerca a su historia es con sus constantes películas familiares. Aún en los momentos más terribles hay una necesidad de dejar todo registrado en cine o en video. Un momento particularmente fuerte, es cuando los hermanos están esperando afuera de la corte y son atacados por el padre de una de las supuestas víctimas. La última noche de libertad tanto de Arnold, como de Jesse también están en video. Todo esto sin ninguna motivación aparte del guardar un registro de los momentos importantes en la vida de la familia.

Este tipo de cine me recuerda películas como Grizzly Man o The Devil and Daniel Johnston, películas hechas a partir del material filmado por los protagonistas. En estas dos películas y en Capturing the Friedmans, los personajes protagónicos terminan demostrando una gran habilidad como cineastas.

Lecumberri

Lecumberri, también conocida como El Palacio Negro, fue construida en 1900 por Porfirio Díaz y a lo largo de sus 76 años de vida, varios presos notables como Trotsky, Pancho Villa, José Revueltas, entre otros, pasaron ahí sus días. Esta película fue realizada por Arturo Ripstein, durante lo últimos días de la cárcel que estaba por convertirse en el archivo general de la nación.

Este documental hace uso de varios recursos y no sigue de forma continúa algún lineamiento formal para su realización. Empieza a modo de reportaje, situándonos dentro de la prisión justo cuando se descubre que dos prisioneros han escapado. Le siguen los títulos, superimpuestos en fotografías históricas sobre El Palacio, un poco de la historia del lugar. Durante el resto de la película, Ripstein se enfoca en seguir el proceso por el cual pasan todos los presos, conocer las diferentes areas de la prisión y algunas de las actividades de su vida diaria.

Lecumberri tiene la particularidad de haber sido diseñada a modo de panóptico. Una forma de arquitectura que garantiza una observación total de la prisión, sin que los presos puedan saber si están siendo observados o no. El panóptico fue ideado por el filósofo Jeremy Bentham, quien pensó también sería una estructura ideal para escuelas, fábricas y otras instituciones. En ningún momento de la película se hace referencia a esto, aunque las tomas aereas que existen, dejan ver claramente la esctructura del panóptico.



Lecumberri es varias prisiones dentro de un edificio. Cada sección es radicalmente distinta de la otra, desde la gente que contiene, hasta el decorado y la forma en que pueden estar los prisioneros. Hay secciones para cada tipo de prisionero, aunque al principio, cuando entrevistan a un grupo de recién ingresados, nos podemos dar cuenta que la mayor parte de la población de la prisión está dentro por crímenes estúpidos, como robos de cosas con poco valor, pelearse a golpes o chocar y no poder pagar los daños. En contraste con estos prisioneros comunes tenemos por un lado a los supuestos prisioneros políticos, que han convertido su lado de la prisión en librería y lugar de esparcimiento, se sientan a hablar de política, leer Marx y jugar ajedrez. También estan los prisioneros que pagan bastante dinero por tener un departamento lujoso dentro de la prisión. Es obvio que la prisión se ha convertido en un modelo a escala del mundo exterior en muchos sentidos.

A lo largo del documental la cámara juega varios papeles. Dependiendo de la situación, el estilo varía entre cine directo, entrevistas, reenactments, haciendo uso de todos los recursos que ofrecen las convenciones del documental. En algunos momentos también interviene una voz en off, que narra las experiencias probablemente ficticias de un preso en Lecumberri. Me hubiera gustado ver un documental sobre esta prisión más en el estilo de Wiseman o los Maysles, el resultado podría haber sido muy interesante. El problema que yo le veo es que se siente demasiado la mano del director, como si estuviera tratando de hacerse notar con sus estilizados movimientos de cámara y su voice over literario. Aún así, con sus muchos defectos, la película de Ripstein es un documento interesante, probablemente porque no existe nada más que retrate tan bien lo que era vivir dentro de la prisión de Lecumberri.

Un reportaje de Natgeo, sobre un chavo que meten a la cárcel. Está interesante ver como son las celdas, los comedores, como tienen una máquina de Coca. Esta prisión no es diferente de cualquier otro edificio institucional, como un hospital o una escuela.


Una animación sobre el panóptico y como la sociedad contemporánea se esta conviertiendo en una prisión.


La fantasía moderna del panóptico como esctructura de total observación culmina con la descentralización del sistema de vigilancia contemporáneo.

Indoctrination

En el cine de Farocki encontramos una fascinación con temas como la producción de imágenes, las estructuras de poder, el consumo, la guerra y muchos otros fenómenos de la sociedad contemporánea.

Indoctrination es una película que junta varios de estos temas. Se trata de un curso de 5 días para empresarios, en el que deben de ganar habilidades para hablar con propiedad para saber venderse. Es un documental relativamente corto, pero de él pueden derivar muchos temas e ideas.



Se busca que los participantes, muchos de ellos en los altos mandos de sus compañías, o dueños de sus empresas, se sometan a un rudo tratamiento por parte del instructor, un señor sumamente gracioso. Vemos varios ejercicios y dinámicas dentro de la clase, todo grabado doble vez en video, como parte del método de enseñanza y por Harun Farocki. Los estudiantes revisan sus presentaciones en la pantalla y el instructor les corrije hasta el mínimo detalle, inclusive le pide a uno que no sea tan perfeccionista.

La cámara se mantiene siempre distante, nunca hay un voice over, ni trata de implicarse algo más allá de lo que nos muestran las imágenes. Es obvio que existe una manipulación del material, pero nunca se fuerza alguna idea o punto de vista en el espectador, los sucesos pasan y son registrados de una manera fría y alejada. Farocki asume que cada quien hará las conecciones adecuadas e interpretará el material sin que se le diga como hacerlo.

¿Cuál es la importancia de esta película? ¿De qué nos habla Farocki con Indoctrination? Este tipo de cursos de superación personal son un reflejo de una sociedad cada vez más centrada en el consumo, donde todo se reduce a ventas y el comportamiento puede ser dirigido para ser lo más eficaz posible tomando en cuenta vender como la única variable. La gente que está en el curso, entra rápidamente en la dínamica del aprendizaje, aceptando todo lo que viene del instructor como verdad, aceptando su autoridad sin cuestionarla en ningun momento. Cada detalle es importante, algunos de los comentarios del instructor son bastante reveladores, a veces pueden caer hasta en lo cómico de lo rídiculo que suenan, pero se vuelven perturbadores, al pensar que así es como se maneja el mundo.

Un documental con un tema parecido. En The Interview, todo tipo de personas aprenden a venderse a ellos mismos para una entrevista de trabajo existosa.